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¿Por Qué nos importa tan poco el arte?
Jero Pérez
27 de diciembre de 2024
Tiempo de lectura aproximado, 10 minutos
¿Por qué nos importa tan poco el arte?
¿Por qué no se valora arte en Cádiz?
Hablar del mercado del arte en Cádiz
es adentrarse en un territorio complejo. Una provincia rica en historia y talento, pero donde disciplinas como las artes visuales no han encontrado el apoyo necesario ni el público suficiente. Esto no se debe sólo a nuestro escaso poder adquisitivo, como nos dicen muchos, lo de nuestro nivel de renta es lo de menos. La situación tiene raíces más profundas: un sistema cultural desequilibrado, el papel insuficiente de las instituciones y una percepción social que coloca al arte en un lugar secundario.
A continuación, exploramos las razones de este fenómeno basándonos en experiencias reales y datos que reflejan el panorama actual.
¿Es el bajo poder adquisitivo el mayor obstáculo?
Es fácil pensar que el problema del arte en Cádiz se debe exclusivamente a la falta de recursos económicos, como nos han señalado en varias ocasiones personas del sector. Sin embargo, con nuestra experiencia relativamente breve pero intensa en este mundo del arte, consideramos, mi socia y esposa y yo que, además de los factores que detallaremos a continuación, los andaluces solemos partir de un nivel cultural que, lamentablemente, está por debajo de la media nacional. Esta circunstancia influye directamente en cómo valoramos el arte y el lugar que ocupa en nuestras vidas.
Uno de los principales desafíos para el arte en Cádiz radica en su posición dentro de la escala de valores del gaditano medio. Por nuestra profesión, de Olga y mia, la misma que nos ha permitido dedicarnos al arte, hemos tenido la oportunidad de visitar más de mil viviendas en Cádiz , y nuestra conclusión es clara: la gran mayoría de estas casas son estéticamente pobres, y es muy raro encontrar una obra de arte en sus paredes. A esto se suma la moda del minimalismo, que, aunque ha sido un gran invento para suplir la falta de creatividad de algunos, también se ha convertido en una excusa más para evitar colgar arte en las paredes. Este enfoque, sumado a una visión funcionalista del espacio, refleja una preocupante desconexión emocional con el arte, algo que debería ser parte de nuestra vida cotidiana, pero que, lamentablemente, sigue estando lejos de serlo en nuestra sociedad.
Otro factor importante es el cambio de prioridades culturales tras la pandemia. Se ha potenciado la idea de que ahora lo esencial son las experiencias efímeras, como viajar o disfrutar de la gastronomía, olvidando que una obra de arte no es simplemente un objeto decorativo. El arte, en sí mismo, también es una experiencia, pero una que perdura y nos enriquece cada vez que la contemplamos, día tras día. Incorporar esta perspectiva sería un paso clave para darle al arte el lugar que merece en nuestra sociedad. Sí, resulta muy agradable viajar y comer en buenos restaurantes, pero no solo de pan vive el hombre.
Cultura gaditana: tradición que eclipsa a otras artes
En Cádiz, el carnaval
y el flamenco son los grandes emblemas culturales. Estas expresiones son innegablemente valiosas y forman parte de nuestra identidad. Sin embargo, su protagonismo puede haber relegado a otras manifestaciones artísticas, como la pintura, la escultura, o las artes escénicas. Si Cádiz quiere ser fiel a su creatividad, podría potenciar estos pilares tradicionales, pero también abrir espacio para otras formas de arte.
Como ejemplo, el carnaval tiene un inmenso potencial como escaparate cultural. En lugar de reducirse a una fiesta de descontrol, podría venderse al exterior como una muestra única de nuestra gracia, ingenio e idiosincrasia. Esta estrategia no solo enriquecería la percepción del carnaval, sino que permitiría integrar nuevas formas de expresión en la oferta cultural de la provincia.
Sirva como ejemplo Málaga, una ciudad reconocida por contar con una de las Semanas Santas y ferias más emblemáticas de España. Sin embargo, el éxito de Málaga como referente del turismo cultural no se debe únicamente a estas tradiciones populares. La ciudad ha sabido canalizar su capacidad económica hacia una apuesta estratégica por el arte y la cultura, consolidando un ecosistema que incluye más de 30 museos, capaces de atraer a un público diverso y de calidad.
Este ejemplo demuestra que, más allá del poder adquisitivo, son la visión, el compromiso institucional y la voluntad social los pilares esenciales para construir un mercado del arte sólido y próspero.
En este sentido, tenemos que continuar con…
El apoyo institucional público: avances y carencias
El papel de las instituciones públicas en Cádiz en relación con el arte ha sido, cuanto menos, desigual. Mientras que el actual equipo de gobierno del Ayuntamiento de Cádiz
ha comenzado a ofrecer un apoyo tangible al sector artístico, algo que hay que reconocerle y agradecerle, las actitudes de gobiernos anteriores, como las del último equipo de gobierno de la Diputación Provincial, dejan mucho que desear.
Un caso concreto ilustra esta falta de respaldo y respeto por el arte: durante la preparación de nuestra participación como galería en la semana grande del arte contemporáneo en Madrid, el anterior gobierno de la Diputación, su diputado de cultura, ahora alcalde de un pueblo de la provincia, negó la solicitud de 400 míseros euros para financiar el catálogo de la propuesta artística que llevábamos. Cabe destacar que nuestra galería fue la única representante de la provincia en este evento de relevancia mundial. Lo paradójico es que este apoyo ni siquiera fue solicitado por nosotros inicialmente, sino que nos lo propusieron, y aun así el resultado fue una pérdida de tiempo tras dos reuniones infructuosas con este señor.
En contraste, la actitud de otras comunidades autónomas hacia el arte resulta ejemplar. Por ejemplo, en las últimas ferias de arte de marzo en Madrid, la Comunidad de Madrid destinó más de 500.000 euros a la adquisición de arte contemporáneo, demostrando con este gesto no solo un apoyo efectivo a los artistas, sino también una visión generosa y estratégica. Asimismo, Extremadura, una región con menos recursos que Andalucía, montó un stand en ARCO
para dar visibilidad al trabajo de sus creadores locales.
Este nivel de compromiso deja claro que la falta de mercado en Cádiz no es únicamente una cuestión de recursos económicos, sino, principalmente, de prioridades. Sin el respaldo decidido de las instituciones, el potencial artístico de la provincia continuará siendo ignorado y desaprovechado.
Las instituciones privadas y sus vicios
Las entidades privadas que deberían actuar como garantes del arte, tampoco están exentas de culpa. En lugar de trabajar por el bien del sector, la más rimbombante de la provincia parece más orientada a la pompa y al reconocimiento interno que al impacto tangible en el panorama cultural local. Sus prácticas endogámicas y los golpes de estado internos perpetúan su mediocridad. En lugar de crear un entorno dinámico y abierto, parecen más preocupadas por mantener su estatus, incluso a costa del fomento del arte y sus actores.
Tampoco ayuda que, aunque nuestra galería cuenta con solo dos años de trayectoria, siempre haya destacado por presentar trabajos de gran calidad artística. A pesar de ello, algunas personas reconocidas en el ámbito cultural provincial han llegado a recomendar a ciertos artistas, que tampoco sobresalen especialmente, evitar exponer con nosotros, argumentando que hacerlo sería "dar un paso atrás" en sus carreras.
Este tipo de actitudes no solo desincentivan la colaboración, sino que también dañan el ecosistema artístico local, frenando la evolución de un sector que necesita espacios, apoyo y visión para crecer.
¿Demasiado pintor/a y poco artista?
Un factor clave a considerar es la sobresaturación de contenido, tanto en redes sociales como en algunas galerías y mercadillos. La proliferación de obras de dudosa calidad ha banalizado el concepto de arte, provocando que el público pierda interés en adquirir piezas únicas. Incluso en los mercadillos de arte, donde se pueden encontrar obras originales por tan solo 15 o 20 euros, las ventas son escasas, y no es raro que los artistas terminen regresando a casa con sus trabajos bajo el brazo.
Antes, un pintor que copiaba a otro no tenía visibilidad, pero hoy puede exponer su trabajo en internet y en mercadillos, que piensan que hacen un favor al arte, cuando en realidad ocurre todo lo contrario. Estas plataformas, lejos de elevar el nivel artístico, han contribuido a desvirtuar el concepto de arte al saturar al público con piezas que muchas veces carecen de originalidad o calidad.
En cuanto a las redes sociales, su impacto en el arte está siendo un arma de doble filo. Si bien ofrecen visibilidad, también contribuyen a saturar al público con contenido que muchas veces no cumple con estándares artísticos. En el pasado, solo salían a la luz obras de buenos artistas, mientras que hoy, cualquiera que haya asistido a unas pocas clases de pintura, y tenga en sus manos un smartphone, puede subir sus trabajos a Instagram o facebook, desvirtuando lo que realmente significa el arte y agotando la atención de los usuarios.
Sirva como contraste los datos de un amigo galerista gallego, en una ciudad del tamaño de Cádiz, que tiene previsto superar la pasada campaña de Navidad, en la que logró unas ventas de más de 100 piezas entre diciembre y enero. Este ejemplo evidencia que el problema no es la falta de compradores, sino la manera en que se gestiona y valora el arte en nuestra provincia.
En nuestro caso, muy distinto al nuestro amigo gallego, a pesar del gran esfuerzo que realizamos para dar a conocer nuestra galería y los artistas que en ella exponen, percibimos que el público que nos visita es cada vez más reducido. Esto ocurre incluso cuando, como ya hemos mencionado, nuestra oferta artística se caracteriza por una gran calidad, lo que nos lleva a constatar la vigencia del conocido dicho de "trabajar por amor al arte".
No sabemos cuánto tiempo más podremos sostener esta situación, pero en ocasiones nos planteamos que los recursos que invertimos en mantener la galería podríamos destinarlos directamente a la adquisición de obras de arte, contribuyendo así de forma más directa al apoyo de los auténticos artistas de nuestra tierra. Sin embargo, no debería recaer sobre nosotros el sacrificio de cerrar este espacio cultural para alcanzar un resultado tan pírrico.
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En definitiva, Cádiz tiene potencial para convertirse en un referente cultural, pero necesita replantear sus prioridades y abrirse a nuevas oportunidades. Porque el arte, más que un objeto o un lujo, es una experiencia vital que refleja lo mejor de quienes somos.
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Comentarios
No habéis dejado títere con cabeza , muy bien argumentado y analizado la problemática desde todas las vertientes.
Juan Escors
Blog de arte y otras cosas más interesantes
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Decorar una casa con arte es como darle a tu hogar una dosis de tu personalidad, convirtiéndolo en un espacio único y acogedor. Aquí te dejo unos consejos para que tu casa hable el lenguaje del arte con tu propio estilo. 1. Sigue tu instinto Antes de cualquier cosa, lo más importante es que te sientas conectado con el arte que eliges. No te guíes únicamente por las tendencias o lo que otros consideran como "arte importante". Si una obra te hace sentir algo, ya tiene su lugar en tu casa. 2. Juega con los tamaños Una pared puede transformarse completamente con una obra de gran formato que sea el centro de atención. Sin embargo, agrupar varias piezas pequeñas también puede crear un efecto visual impactante. Considera mezclar y combinar tamaños para dar atractivo a tus espacios. 3. Crea diálogos entre tus espacios y el arte Intenta que el arte refleje el carácter del espacio donde se encuentra. Por ejemplo, en un rincón de lectura, podrías colocar arte que inspire tranquilidad o contemplación. En la cocina, algo más dinámico y alegre podría ser perfecto. 4. Experimenta con los marcos Los marcos pueden cambiar radicalmente la percepción de una obra de arte. Un marco minimalista puede modernizar una pieza clásica, mientras que un marco ornamental puede añadirle un toque de elegancia. ¡No subestimes el poder de un buen marco! 5. Iluminación adecuada La luz puede hacer maravillas por el arte. Ya sea luz natural o con sistemas de iluminación diseñados para destacar tus piezas, asegúrate de que cada obra sea visible y brille con luz propia. 6. No temas al color Incorporar arte con color puede animar un espacio y darle vida. Si tu decoración es principalmente neutra, una pieza de colores vivos puede ser el toque final perfecto. Y si te encanta el color, más es más: deja que tu casa sea una fiesta visual. 7. Incorpora distintos medios Desde pinturas hasta esculturas, pasando por textiles y fotografía, explorar diferentes medios puede añadir capas de interés a tu decoración. Cada medio tiene su encanto y manera de interactuar con el espacio. 8. Cambia con las estaciones Si eres de los que les gusta renovar su espacio frecuentemente, considera tener una selección de arte que puedas rotar. Cambiar las obras de arte según la temporada o tu estado de ánimo puede refrescar tu hogar sin necesidad de grandes cambios. 9. Hazlo personal Al final del día, lo que realmente transforma tu espacio es el arte que elijas para vivir contigo. Opta por piezas que hagan eco de tu historia y estética personal, seleccionando cuidadosamente obras de arte únicas que capturan tu esencia. Visita nuestra galería para encontrar aquellas obras que no solo embellecerán tu hogar, sino que también contarán una parte de tu viaje personal a través de la belleza y la expresión artística. El arte tiene el poder de transformar un espacio no solo en términos estéticos sino emocionales. Con estos consejos, esperamos que encuentres inspiración para hacer de tu casa un reflejo de lo que amas, te mueve y te inspira. ¡Feliz decoración! Las obras de la imagen son de José Carlos Capella
La creatividad es una fuerza poderosa que en mayor o menor medida reside en todos nosotros, esperando ser liberada y explorada. Aunque a veces pueda sentirse como si estuviera escondida detrás de barreras de dudas y miedos, existen innumerables maneras de despertar ese potencial dormido. Inspirándonos en una variedad de pensadores y artistas que han escrito sobre el tema, exploraremos cómo puedes desbloquear tu creatividad y vivir una vida más plena y rica en expresión. Encuentra tu "Por Qué" Iniciar cualquier viaje creativo requiere primero comprender tus motivaciones. ¿Buscas mejorar tu capacidad para resolver problemas, encontrar un canal para tus emociones, o simplemente añadir más color a tu día a día? Identificar tus razones personales para querer ser más creativo te ayudará a orientar tus esfuerzos y mantener tu enfoque. Crea espacio Los entornos que fomentan la experimentación y el juego son cruciales para el florecimiento de la creatividad. Esto incluye tanto espacios físicos dedicados a la práctica creativa como tiempos específicos del día reservados para explorar nuevas ideas. Un rincón de tu hogar puede convertirse en tu santuario creativo, un lugar donde las musas te encuentren trabajando. Designa un lugar donde puedas explorar tus ideas sin interrupciones. Este espacio físico se convertirá en tu santuario creativo. Rompe con la rutina, pero sé flexible La rutina es a menudo la acérrima enemiga de la creatividad. Introducir cambios y nuevas experiencias en tu vida puede ser justo lo que necesitas para reavivar tu chispa creativa. Esto puede tomar la forma de viajes a lugares desconocidos, la exploración de nuevas aficiones o incluso pequeñas variaciones en tu rutina diaria. Lo importante es abrirte a nuevas influencias que puedan inspirarte. La disciplina puede fomentar la creatividad, pero permite que la espontaneidad rompa la rutina cuando sea necesario. Conecta con la naturaleza La naturaleza es una fuente constante de inspiración para muchos. Un simple paseo por el parque, una excursión a la montaña, o incluso la contemplación de un cielo estrellado pueden ser suficientes para encender una idea. La belleza y la magia del mundo natural tienen el poder de provocar reflexiones profundas y fomentar la creatividad. Reconecta con el mundo natural. La observación de sus patrones y ritmos puede abrir nuevos caminos creativos. Mantén un Diario de Ideas Un diario de ideas es una de las principales herramientas en el viaje creativo, ofreciendo un espacio seguro para registrar pensamientos fugaces, que se perderían si no los anotas, bocetos y sueños. Funciona como un catalizador para la creatividad, permitiendo que las ideas efímeras sean capturadas y desarrolladas con el tiempo. Este diario no solo sirve para anotar palabras; es un lienzo para explorar diferentes medios y formas de expresión, enriqueciendo la experiencia creativa. Al revisar regularmente esta hucha personal de inspiración, se pueden descubrir patrones y conexiones que proporcionan claridad y dirección para futuros proyectos. El Diario de Ideas se convertirá en algo más que un simple registro; se convertirá en un compañero vital en la exploración de la creatividad sin límites, sirviendo como un puente entre el mundo de las ideas y su plasmación en la realidad. Practica el Arte de la Observación Observar el mundo con una mirada curiosa puede ser el comienzo de un viaje creativo. Pregúntate sobre las historias detrás de lo corriente, los colores del atardecer o la textura de lo cotidiano. Aprender a observar el mundo con atención puede abrirte a una nueva forma de inspiración. Ve más allá de la mirada superficial. Cada detalle en tu entorno puede ser el detonante de una idea genial. Rodéate de Creatividad Tu entorno tiene un impacto significativo en tu proceso creativo. Sumergirte en el arte, ya sea visitando galerías, leyendo literatura, o escuchando música, puede motivarte y enseñarte nuevas formas de expresión. Exponerte a diferentes formas de arte, culturas y filosofías puede ampliar tu perspectiva y enriquecer tu obra. Permite el Error El miedo a fallar puede paralizarte. Sin embargo, es esencial recordar que cada error es una oportunidad de aprendizaje. Abrazar tus fallos como parte del proceso te libera para tomar riesgos mayores y descubrir posibilidades creativas que antes parecían inalcanzables. No desesperes, cada fracaso te acercará un paso más a tu próxima obra maestra. Experimenta sin Temor Experimentar sin temor impulsa el crecimiento creativo, animándote a explorar más allá de tu trabajo habitual. Esta exploración no solo enriquece tu obra, sino que también agudiza tu curiosidad y refuerza tu pasión por crear. Cada experimento es una ventana a descubrimientos inesperados sobre tu arte y sobre ti, fortaleciendo el espíritu aventurero de tu proceso creativo. Sal de tu zona de confort. Experimenta con nuevos materiales, técnicas, y temáticas. Comparte tu Trabajo Aunque este punto puede tener muchos detractores, podemos afirmar que compartir tu trabajo con otros es un paso crucial en el viaje creativo, pues la retroalimentación recibida es un recurso intangible. Al exponer tus creaciones al mundo, no solo te abres a un espectro amplio de nuevas ideas y perspectivas, sino que también te conectas con una comunidad que puede ofrecer apoyo, inspiración y crítica constructiva. Este intercambio de ideas fomenta el crecimiento, desafía tus percepciones y, a menudo, te impulsa a superar tu timidez y tus propios límites. En última instancia, compartir tu trabajo enriquece tu proceso creativo, permitiéndote evolucionar tanto en tu arte como en tu desarrollo personal. La retroalimentación es vital. Compartir tus creaciones puede abrirte a nuevas ideas y perspectivas. Tras todo esto, podemos decir que al permitirnos este juego libre de exploración, tejemos una red más rica de experiencias y perspectivas que nutren profundamente nuestro arte y nuestra alma, preparándonos para mirar hacia atrás y reflexionar sobre el viaje emprendido, y con ello llegar a la siguiente Conclusión Desbloquear tu creatividad es un viaje personal lleno de descubrimientos. A través de la exploración, la paciencia y la práctica, puedes abrirte a experiencias que enriquezcan tu vida y tu trabajo creativo. Recuerda, la creatividad está dentro de ti, esperando ser explorada y compartida con el mundo.
En este momento de evolución en el mercado del arte, los artistas se encuentran ante un cruce de caminos, enfrentando decisiones que pueden definir sus carreras. La elección entre colaborar con galerías que consideran al artista como su cliente, cobrando por la exposición, y aquellas que ven al comprador de arte como el cliente, cobrando al artista sólo después de una venta, opción cada vez menos frecuente. Ambas fórmulas presentan ventajas y desafíos, reflejando la diversidad y complejidad del panorama artístico actual. Ventajas y desafíos de cada modelo: · Galerías que cobran a los artistas por exponer: Esta opción ofrece a los artistas una plataforma garantizada para mostrar su trabajo, lo que puede ser particularmente valioso para aquellos que están comenzando y buscan ganar visibilidad rápidamente. Sin embargo, el costo inicial puede ser prohibitivo para algunos, y no hay garantía de venta, lo que significa que el retorno sobre la inversión puede variar considerablemente. ·Galerías que cobran comisión sobre ventas: Estas galerías ofrecen a los artistas la oportunidad de exponer sin costos iniciales, eliminando la barrera económica para la entrada. La galería y el artista comparten un objetivo común: la venta de la obra. No obstante, puede ser más dificultoso obtener espacio en estas galerías debido a su selectividad y la competencia con otros artistas por hacerse un hueco para exponer. En nuestra galería, y respetando y comprendiendo cualquier otro modelo de negocio, entendemos que el arte aquí es accesible y que los artistas no cargan con costos por ser vistos. Creemos en un modelo donde nuestra inversión en los artistas se basa en la confianza en su trabajo, en nuestro esfuerzo conjunto hacia la venta de sus obras, y por supuesto, en la lealtad del artista hacia la galería. Este compromiso se alinea con la evolución del mercado del arte, donde la accesibilidad y la visibilidad directa han cambiado la dinámica entre artistas, galerías y compradores. El acceso sin precedentes que los artistas tienen ahora para conectar directamente con su audiencia ha desafiado el modelo tradicional de galerías, creando un mercado más abierto, pero también más competitivo. Este cambio ha llevado a una reflexión sobre el valor y el papel de las galerías en el mundo del arte contemporáneo. A pesar de estos desafíos, nos esforzamos por ofrecer un espacio donde los artistas puedan exponer y prosperar sin la presión de los costos de exposición, fomentando un entorno donde el arte y su apreciación son lo primero. Reconocemos que cada artista es único y que la elección de la plataforma de exposición debe alinearse con sus necesidades y objetivos individuales. Mientras el mercado del arte continúa su constante evolución, nuestra galería se mantiene firme en el compromiso de apoyar a los artistas en su viaje creativo, ofreciendo un modelo que beneficia tanto al creador como al coleccionista. En este nuevo horizonte, la elección del artista es fundamental, y estamos aquí para facilitar un camino hacia el éxito y el reconocimiento, sin barreras financieras para la exposición. Partiendo de que los dos modelos de negocio son totalmente lícitos y respetables. Con qué tipo de galería te sientes más cómod@?
